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民族声乐的学习方法
中国民族声乐这些年取得很大的成就，但是民族声乐的发展仍然“在路上”。与西方音乐四百年发展相比，们起步和发展的时间还很短，还在探索中。下面是小编为大家分享民族声乐的学习方法，欢迎大家阅读浏览。更多相关信息请关注相关栏目！
1.研究中国文字。
中国的文字很讲究，有意象甚至有哲学意味，这与西方拼音文字不同。学习中国声乐一定要研究中国文字，研究字不光是发音吐字，而且要研究字的结构和寓意。如：秋字加上一个心，就是愁;春字加上一个心就是惷。秋天是成熟的季节，成熟的心才知道愁啊，学习和演唱民族声乐作品，一定要亲近们的文字。
2.研究中国诗词文化。
宋代诗词极具音乐性，是可以唱的。现在学生演唱艺术歌曲诗词时往往因为不熟悉而不了解。朗诵也应该成为们声乐学生的一门基本课程。戏曲讲究“千斤白，四两唱”，戏曲演员念字念白就学好多年，念得差不多再开唱。美声唱法也是一样，先演话剧，后演歌剧。外文艺术歌曲，先把字音念准，再依照谱子的节奏、重音、逻辑重音、单词重音念清楚，这样才能唱。这是目前声乐教学缺乏的环节，也是文化上的一种缺失，如果从小增加朗诵和诗词赏析课，再贯穿到声乐教学当中，学生受益会更多。
3.了解们的绘画艺术。
中国画讲究留白写意、黑白之道。黑白之间有寓意和色彩，唱歌也如同绘画讲究声音的色彩变化。中国声乐在讲究个性同时要讲究共性，而西洋的东西是在追求共性下，强调个性。如果们非要讲究个性，和别人不一样，就容易走到死胡同。中国戏曲曲艺演员培养过程中受这方面影响很大，学习戏曲是先找别人后找自己，甚至在找别人的过程中丢了自己。比如戏曲，先拿派别给演员固定，削足适履，演员是不是那个嗓子和条件先不去琢磨，造成成活率很低，现在年轻人学唱歌也是热衷模仿。美声唱法强调人的器官、腔体、身体运动等，共同塑造唱法的科学性。现在很多民族声乐作品写得很大很满，演唱也追求“高大全”，这和中国人讲究意境、留白、色彩的审美习惯是相违背的。有人演唱时不注意会唱错别字，比如“长相知，长命无绝衰”，很多人唱成“衰(shuāi)”。“白发鬓毛衰(cuī)”，这个字是有颜色的，是古音字。描写古时丈夫去世，妻子要披麻戴孝，皇帝去世，臣子要披麻戴孝，有颜色。如果只是一个衰落的“衰”，就完全消除了其历史时期的寓意和典故。启功曾经说，唐朝的诗是‘喊’出来的，宋代是‘想’出来的，唐以前的诗是‘长’出来的，是从民间土里长出来的。宋代的诗都有典故，一般人不懂典故看不懂。们在演唱这些作品时要补充历史文化知识。们很多艺术歌曲，没有多少高音，但仍然成为经典。现在民族声乐出现一大批连喊带叫的歌，尤其是们男声，很多人还是处于“喊”的层次，高音喊得很高，年轻的学生喊几年就坏了。遇到爱模仿尤其喜欢模仿某位歌唱家的学生，就让他唱外国歌，因为以前歌唱家演唱外国歌的资料并不多，慢慢他就回归自，去琢磨自己的身体运动和肌肉运动，慢慢找到了自己。因此在教学中，一手抓唱法的科学性，一手抓演唱的语言。
4.研究中国的戏曲和曲艺。
天津曲艺团一批演员到音乐学院进修，教了十几个曲艺团的学生。戏曲演员的呼吸相对浅一些，他们是向上用气，要提气，而要他们向下走。另外他们的喉头相对高一些，气用得硬一些，对通道和共鸣要求似乎少一些。就用声乐方法让其松一些，让肌肉和气息的运动往下走，不要过多提气，讲究整体共鸣。一位学张派青衣的年轻演员，让她借鉴声乐演唱方法打开喉咙、气息放下，整体共鸣，在“松、通”上下功夫，半年多时间收到很好效果。教学相长，也跟他们学了很多京剧的东西，如京剧的韵腔、咬字、用气等，对滋养很大声乐培训。
5.亲近中国器乐曲目和传统民歌。
当年留校时分配在民乐系，上课在声乐系。当时宋国生给们写歌，民乐系中青年教师组成的民乐队给们拉伴奏，三年里耳濡目染了大量民族器乐的经典曲子很多曲子如紧打慢唱、弦乐揉弦、艺术处理的方式，都是声乐能够借鉴的。
6.研究中国的民间舞蹈。
民间舞蹈和戏曲、歌唱是同宗同流。从“三人操牛尾，歌之不足，舞之蹈之”开始，舞蹈和音乐都是抒情的方式。现在不少民族声乐演唱者的手伸出来都是僵硬的，演唱时们的手伸出来应该是“欲左先右，欲前先后”，舞蹈是民族声乐表演基本的训练，会让们有模有样，让民族声乐的外在形体与内在的表现统一起来。
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